一、抽象與具體
對于呼吸，僅告訴學生吸氣要深、要快，吸到橫膈膜，這樣的解釋不夠通俗。吸氣的“深”和“快”即當走入百花叢中，情不自禁的深吸一口氣便做到了“深”，體會打噴嚏的吸氣狀態便是“快”。沈湘認為：“歌唱呼吸也是一種被動行為，在吸氣時不要想著要主動吸氣，而是‘腰輕輕一緩勁’，也就是說把腰上的力量快速松掉，氣息就被動的進來了”。變主動為被動和將腰上力量松掉，短短十幾個字就把看似高深、抽象的呼吸技巧揭示的非常徹底。對于氣息控制，主要分為兩種，一種是氣息的保持，另一種是氣息要在呼吸支點的控制中。對此，僅要求學生將氣息支持住或小腹收緊，但效果并不理想，學生的氣息不是太淺就是太僵。出現這種情況很正常，前者說了等于沒說，后者說的不夠明確。可以這樣解釋：有支持，就一定有壓力，因此，氣息的控制是體內呼氣肌肉群和吸氣肌肉群相互“對抗”的結果。歌唱時一定要把氣息的壓力向胸腔的一點不斷輸送，并且要根據具體演唱和發聲的旋律特點，有計劃合理分配輸送氣息量。
二、理論與實踐
理念決定聲樂演唱的效果，要引導學生建立正確、科學的歌唱理念。歌唱是呼吸、發聲、共鳴、語言4個基本要素共同作用、協調運動的結果。有些學生認為唱歌是用氣息唱而不是用嗓子唱，顯然只強調氣息的重要性而忽視其它方面的重要性，這就需要逐步解釋。首先，讓學生了解相應的理論用語，即歌唱的基本要素包括呼吸、發聲、共鳴、語言4個部分。其次，解釋各要素之間的關系。第一，它們之間是相互依存、相輔相成的，不存在唯一性和選擇性。第二，呼吸和發聲是對立統一的，沒有正確的呼吸就沒有良好的發聲效果；反過來也同樣成立，即呼吸必須在一系列活動中才能建立起來。第三，歌唱語言和共鳴是對立統一的“，從口腔的后咽腔（人們俗稱小舌頭的位置）念字”才能使二者達到平衡。因此，只有4要素緊密配合，才能獲得理想的聲音。再次，用通俗易懂的語言解釋專業術語。例如，可以反問學生，如果認為說話用不用嗓子，生病時的呻吟聲、醫生對嗓子進行檢查時讓病人說“啊”時用不用嗓子，那么唱歌用不用嗓子，更何況要唱出比說話更高的高音。
歌唱肯定要用嗓子，但看怎樣用，科學的協調運用是不會損傷嗓子的，即歌唱時不僅不能躲嗓子，而且要用聲帶，這樣可以避免聲帶閉合無力而產生漏氣現象。但是，雖然要用聲帶，聲帶閉合的力量要適中，不能使勁兒擠，找平時準備說話出聲之前一瞬間聲帶閉合的感覺，這感覺有點像憋氣，但比憋氣要松弛，而且小腹沒有“撐”的感覺。然而，也不是說歌唱就是單純的“嗓子活動”，它與很多方面息息相關，是很多方面共同作用的結果，個別器官功能的發揮，僅僅是在其它與之協作器官相互配合和制約下運作的結果。正如沈湘所說：“呼吸、共鳴、嗓子等問題是在歌唱中聯系起來的一個整體的諸方面，對了全對，錯了全錯，一個人的位置很好，只是呼吸不對，或是呼吸很好，卻沒有共鳴，這都是不可能的。只能是全對以后，真正地呼吸才對，真正地腔體才用上，真正地嗓子才對上。”由此可見，歌唱需要嗓子，但不單單是氣息或者嗓子的活動。不能認為歌唱聲音越大越好，用強而響的聲音去歌唱效果好，強弱是相對的。試想，在一首作品中如果全是強音，給人的感覺如何，細膩的情感該如何表達，情感的跌宕起伏該怎樣實現，人們的審美又該如何滿足。因此，歌唱要強弱得當，根據作品內容和處理的需要，該強則強，需弱則弱，這樣才能符合基本的審美需要和聽覺習慣，這樣的歌唱才稱得上是藝術。
三、模仿與特色
有些學生認為能夠模仿教師的聲音或者某位歌唱家的聲音就是好聲音，顯然已經陷入了盲目模仿的境地。荷伯特•凱薩利認為“：對于這類問題，作為一個學生你也許會反駁道，你已經模仿，或已經試著模仿這些聲音的效果，由于這樣做而使你自己的發聲已經得到改善。我們承認這種可能性，這種想法很好，但這只是初步的，我們希望強調的是：通過那種模仿的方法是否能夠得到根本的知識呢？”聲樂是聽覺藝術，西方早期的聲樂教育也是靠模仿來完成教學，學生會下意識的模仿教師所作的范唱。模仿本身并沒有錯，問題是有些不具備一定聲樂知識的學生會鉆死胡同，走入聲樂學習的誤區。模仿要具備一定條件，有一定限度，要有選擇性的模仿。
第一，模仿者必須具備敏銳的聽覺，能夠清楚地分辨聲音色彩的優劣，準確判斷和體會被模仿者的歌唱位置。
第二，展示個性化元素，拒絕機械模仿。每個人的嗓音都是獨一無二的，即便有相似也不可能完全一樣，如果模仿者想要在哪怕很細微的差異中尋求相同，都要迫使自己的心理和身體改變自然歌唱狀態，以實現相同的聲音效果，這樣的改變付出的代價可能很嚴重，聲帶可能出現問題。因為“人體發聲既是參與發聲的各器官間的一種精確的生理運動，也是受大腦高級神經活動所支配的一種審美心理反映。如果這種審美反映偏離了嗓音發展的實際，也就必然會影響到嗓音的健康”。機械模仿會造成“千人一面”，毫無特色可言。教學中經常會遇到這樣的學生，乍一聽聲音，還以為他們沒有學過聲樂，聲音明顯向喉嚨里“摳”，而且漏氣現象非常嚴重，到了小字二組的降E就已經全是“氣聲”了，由聲帶閉合振動產生的有效音幾乎聽不到，舌頭縮成一團，更談不上共鳴和音樂表現等。他們認為這樣唱才“像”教師，才“像”想象中的“美聲“”民族”唱法。顯然，這是模仿的敗筆，為了“像”而迷失了學習聲樂的目的和方向，舍棄了自己的自然個性，只看到了“模仿”的表面，沒有讀懂其精髓———仿其技藝，展己特色。應該模仿歌唱家或教師歌唱器官的氣息、位置、共鳴等技能、技巧，用心和耳朵“體會”他們各器官的運動軌跡和使用力量，不能機械的模仿，更不能模仿他人的音色。模仿的目的不是為了追求“像”而扭曲自身自然歌唱狀態“，喪失自我”，而是為了借鑒經過積淀的經驗，縮短學習時間，避免走彎路。模仿的方向是創新，如果沒有特色，沒有創新，即使模仿的再像也只能是“贗品”。
第三，激發創新意識，實現模仿目的。對于那些具備一定技術水平的學生，可以提示其融入自己的技術處理和情感特色。如演唱《軍營里飛來一只百靈》這首作品時，可以適當指引學生在“啊，那里就回蕩著歡樂的歌聲”旋律中改變作曲家的演唱提示和很多演唱者千篇一律的連音式演唱處理，在“啊”字和“回”字的最后一個音上運用跳音，給人更加靈巧、輕快的感覺，突出體現軍中百靈的朝氣與活潑。這樣，當學生感受到自己的演唱可以比原作和很多演唱者更能展示歌唱技術時，就會激發創新的欲望，達到模仿的目的，也能在演唱其它作品時自覺地對作品和演唱進行二度創作。
作者：田潔 單位：遼寧科技大學藝術學院